Gallery Hyundai presents Lee Kang-So’s solo exhibition From a Dream from June 16 through August 1. From a Dream shows a careful selection of approximately thirty paintings created between the late 1990’s until 2021, focusing on newer pieces and the artist’s creative essence that they reveal. Visitors will witness the coexistence between dynamic brushstrokes dashed in a single movement and large scale paintings with bold margins; abstract, rough brushstrokes in multiple layers and more recognizable forms such as birds or boats appearing in paintings as icons since the late 1980’s; monotone paintings of greyscale or black and white radically contrasted with blindingly vibrant colors that materialize the sense of infinite space upon flat canvas. Through these elements, we can enjoy the quintessence of Lee Kang-So’s painterly language that has unfolded over the last two decades. 

From a Dream explores how his unique worldview is materialized in his works and which kinds of problematics are shared by experimental works in the 1970’s and paintings from the 1980’s to the present despite their formal differences. Interpreted as something close to “frolicking in dreams,” the title is simultaneously a keyword condensing Lee Kang-So’s life philosophy and his position on our own time. He views our seemingly self-explanatory world as dreamlike in reality. Such insight, based on East Asian philosophy he learned from an early age and on quantum mechanics, is seamlessly threaded in each of his works. 

The first floor features works illustrate aspects of qi(氣), or energy flow, that the artist intended to convey. Indeed, one of his major tasks was to visualize the energy of all being. He has always believed in the existence of an invisible energy and continuously strove to document it in image. The basement and second floor galleries focus on various riffs on bold brushstrokes and emptiness. Lee Kang-So excludes calculated or premeditated thought as much as possible; leaving a series of strokes to sensations of his hand holding the brush and natural rhythm of breath, he places every stroke without taking a moment of rumination. The countless kinds of brushstrokes left at a state of a union among brush, hand, emotion, and spirit then invite the viewers into a world of boundless imagination. The second floor invites us to Lee Kang-So’s now signature combination of images that resemble birds and boats with abstract brushstrokes, a style he has actively executed since the 1990’s. Works from Serenity using vivid color, introduced for the first time at From a Dream, seizes our attention with bold orange and navy strokes of different density. 

As Lee Kang-So himself characterizes his works as “pictures that were drawn,” he avoids subjective expressions of emotions, intention, or a unidirectional solution. Instead, he prefers to traverse between the visible and invisible, particles and energy, here and there, being and non-being, me and you, all in a moment of space and time like a wise spirit. His unpredictable brushstrokes enlivened with the living energy provide viewers with an alternate perspective of seeing the world. In other words, Lee Kang-So’s paintings, or artworks, are a result of ceaseless efforts to escape the modernist view of the world as immutable and self-explanatory, revealing the truth of all being as always buoyant and pulsating. They are at the same time a philosophical question asking whether the world equals reality, and an answer to how we can visualize this world stepping outside our own human perspective.

갤러리현대는 이강소의 개인전 《몽유(夢遊, From a Dream)》를 6월 16일부터 8월 1일까지 개최한다. 《몽유》는 작가가 1990년대 말부터 2021년까지 완성한 회화 30여 점을 엄선한 전시로, 신작을 중심으로 ‘화가’ 이강소의 진면목을 확인하기 위해 마련됐다. 일필휘지(一筆揮之)로 남긴 역동적인 붓질과 과감한 여백이 아름다운 대형 회화, 여러 층위로 칠한 거친 추상적 붓질과 새와 나룻배 등 1980년대 말부터 작가의 작품에 아이콘처럼 등장한 구체적 형상이 공존하는 회화, 회색이나 흑백의 모노톤 회화와 극적으로 대비되는 형형색색의 눈부신 컬러를 사용해 평면의 캔버스에 무한의 공간성을 구현한 실험적 신작 회화 등을 함께 선보인다. 이강소가 지난 20년 넘게 전개한 회화적 언어의 정수를 만끽할 수 있을 것이다.

《몽유》는 그의 회화 작품에 작가의 독창적 세계관이 구체화되는 방식, 그 형식적인 차이에도 불구하고 1970년대 실험미술 작품과 1980년대부터 최근의 회화 작품이 공유하는 문제의식 등을 살피는 전시다. “꿈속에서 놀다” 정도로 풀이할 수 있는, 전시 제목 ‘몽유(夢遊)’는 이강소의 철학적 세계관을 함축한 키워드이자, 그가 작품에 담고 싶은 시대적 명제라 할 수 있다. 그는 무척 자명해 보이는 이 세계가, 실은 꿈과 같다고 해석한다. 어린 시절부터 학습한 동양철학과 양자역학 등에 기반을 둔 그의 이러한 통찰은 작품 곳곳에 자연스럽게 스며 있다. 

1층 전시장에서는 작가가 작품을 통해 전달하려는 ‘기(氣)’의 양상이 잘 나타난다. 만물의 기운을 붓으로 시각화하는 것은 작가로서 이강소에게 큰 과제였다. 그는 보이지 않는 ‘기(氣)’가 존재한다고 믿고, 항상 '기’를 이미지로 남기려는 시도를 멈추지 않았다. 지하 전시장과 2층 전시장에서는 역동적인 획과 대담한 여백의 다채로운 변주에 집중한다. 이강소는 계산하거나 의도된 사고를 최대한 배제하고, 붓을 든 손의 감각과 자연스러운 호흡에 따라 생각할 겨를도 없이 일련의 획을 캔버스에 그려간다. 작가가 붓과 손, 감정과 정신이 혼연일체를 이룬 상황에서 남긴 다종다양한 붓질은 관객을 무한한 상상의 세계로 초대한다. 2층 전시장에는 이강소의 작품에 1990년대부터 본격적으로 등장하며, 그의 트레이드 마크가 된 새와 배 등의 형상이 추상적 붓질과 함께 등장하는 작품을 소개한다. 《몽유》에 처음으로 선보이는 채색이 사용된 <청명> 연작의 강렬한 주홍과 농담이 다른 군청의 붓질이 관객의 시선을 사로잡는다. 

이강소 스스로 “그려진 그림”이라 작품을 설명하듯, 그는 작가의 주관적 감정 표현이나 의도, 일방적인 정답 제시를 피하고, 보이는 것과 보이지 않는 것, 입자와 에너지, 이곳과 저곳, 있음과 없음, 나와 너 등 그 모든 시공간의 찰나를 마치 신선처럼 “왔다리 갔다리”하며, 예상하지 못한 ‘기운생동(氣韻生動)’의 붓질로 관객에게 세계를 보는 새로운 시각을 제공한다. 즉, 이강소에게 회화(작품)는 세계가 고정불변하고 자명하다는 근대적 사고방식에서 벗어나려는 부단한 수행의 결과이자, 끊임없이 부유하고 율동하는 만물의 진실을 드러내는 일이다. 또한 인간이 보고 경험하는 세계가 실재인가를 묻는 철학적 화두이며, 인간의 관점에서 벗어나 이 세계를 어떻게 시각화할 수 있는가에 대한 답변이다.