Minjung Kim, Shin Sung Hy

Galleries 
June 11 – 16

Booth G13
Messe Basel Hall 2

Gallery Hyundai is pleased to present a two-person presentation featuring Minjung Kim and Shin Sung Hy at Art Basel in Basel 2024 (Booth G13). This carefully curated presentation brings together multiple series of these two groundbreaking artists who have significantly expanded the vocabulary of line, surface, and form while bridging the traditions of East and West through their dedicated focus on a singular material of either hanji (traditional Korean paper made from mulberry bark) or canvas. Shin Sung Hy and Minjung Kim left Korea in the 1980s and 1990s and relocated to Europe (Paris and Milan, respectively), where they individually developed their art practices with a spirit of sustained experimentation. Their paintings simultaneously embody an embrace of both Korean traditions and Western abstraction, reflecting the artists’ remarkable achievements in their pursuit of the essence of painting.

In the course of over three decades, Minjung Kim (b. 1962) has developed a distinctive visual language that integrates abstraction with principles of Zen and Taoism such as emptiness and repetition. The artist principally works with hanji, ink, and fire. Through meticulously timed movements carefully synchronized with her breath, she delicately burns, layers, and applies ink to the hanji. The concepts of time and breathing play critical roles in Kim’s work, as the artist strives to achieve a state of mental emptiness before beginning a new work, a process that may take hours, days, or even weeks. She states that she seeks to “express forms and rhythms with the pleasure of a breath spontaneously ensuing from a calm mind.”

Significantly, Gallery Hyundai will present Minjung Kim’s newly created works at Art Basel in Basel, including Moonlight, Star Story, Encounter, and Regeneration. These works depict the organic intertwining of dots and circles formed by both ink and layers of burned hanji, embodying Minjung Kim’s philosophy of equilibrium between opposites. In Moonlight, Kim’s skillfully applied dots of ink expand in mesmerizing circular formations in subtle gradations of tone, engaging in a dialogue with the delicate but sharp lines created by the burned layers of circular hanji forms. In Star Story, layers of undulating ink silhouettes become a background or universe against which circular collages of red hanji float while being connected by thread-like wisps of ink. While the contrast between the diffused black layers and splashes of red may be read as background and foreground, their fundamental ambiguity leaves room for the viewer to reach their own conclusion.

Kim often expresses her ideas in the form of series, many of which the artist continues to develop on a continuing basis. In the artist’s Mountain series, undulating washes of ink with varying transparency overlap and absorb into the hanji, forming an expansive landscape. The artist has stated that she began Mountain with the intention of depicting the sound of the ocean’s tide, only to realize that the resulting shapes resembled the mountains embedded in memories of her early life in Korea. She adds that the mountains in the series are not based on actual mountains, but rather the “idea” of mountains in her psyche that is inextricably linked to a sense of longing for her homeland.

Another long-running series is Timeless, which is closely intertwined with Mountain. To create works in the Timeless series, Kim cuts Mountain works into thin strips and burns the edges with the flame of a candle to create a line, then glues the strips together to form an abstract gradation culminating in a horizon. The uniquely singed lines left by the fire reflect the artist’s meditative, repetitive process of igniting the hanji and extinguishing it with a measured breath. Timeless represents the artist’s reflection on the sound of the tide as an eternal phenomenon with neither a beginning nor end, and further compels us to reflect on our own cyclical existence.

Shin Sung Hy (1948–2009) had already achieved renown as a painter in Korea before relocating to Paris in 1980 to further his lifelong pursuit of the fundamental question of “the essence of painting.” Against the backdrop of Dansaekhwa and Supports/Surfaces (the major artistic movements of Korea and France at the time, respectively), his unprecedented work boldly explored the possibilities of three-dimensional painting on a flat plane. Shin dedicated his career to overcoming the limitations of the flat canvas, the most absolute of painterly spaces, seeking to integrate the two- and three- dimensional realms.

Rejecting conventional mark-making techniques to create the illusion of depth and physicality in paintings, Shin explored more hands-on methods to introduce materiality and depth in two- dimensional canvases. By tearing thick cardboard to create collages or employing the pliability of paper by cutting and ripping the material into pieces, he created paradoxical paintings that were simultaneously two and three-dimensional. He would continue expanding his artistic vision with his collaged paper Espace de Structure series (1983–1992), which introduced bold colors to collages of torn, colored cardboard canvases, while in his drawing works from 1982 to 1990, he created three- dimensional shapes and “third spaces” by partially tearing and cutting paper.

In Shin’s sewn-canvas Couturage series (1993–1997), the artist created abstract paintings that he cut into strips of varying widths and stitched together with a sewing machine. In this process of deconstruction and construction, the seams remain exposed and the margins are coarsely cut, such that the works achieve a sense of three-dimensionality due to relief effect of light and shadow on their surface. Subsequently, Shin developed his knotted-canvas Nouage series (1997–2009), where the artist painted both sides of the canvas and tore the material into thin strips, which he would weave and knot together with other torn canvases to create a three-dimensional canvas “body.” In doing so, Shin reconfigured the materials into new paintings consisting of a monochromatic expanse of white with knotted colors. The woven canvas of knots and voids becomes a three-dimensional relief that defies the flat surface of a “background” by generating shadows within and beyond the canvas. Consequently, textured lines, planes, and solid forms coexist to form a pictorial sculpture, or sculptural painting, that disrupts the notion of a singular genre.

Throughout his 40-year-long career, Shin Sung Hy remained dedicated to exploring the possibilities of the canvas. His woven pictorial space, constructed through stitching and weaving, marks a significant step forward from the painterly heritage of twentieth-century artists.

갤러리현대는 ‘아트바젤 바젤’ 갤러리즈 섹터의 ‘부스 G13’에서 김민정, 신성희 작가 2인전을 선보인다. 두 작가는 한지와 캔버스 위에 점, 선, 면 등의 회화적 언어를 통해 동서양의 정신과 조형 언어를 모두 담아내는 독창적인 작품 세계를 펼친다. 김민정과 신성희는 1990년대와 1980년대에 고국을 떠나 밀라노와 파리로 이주했으며 이후 실험적인 작업을 지속했다. 한국의 뿌리를 간직한 채 서양의 문화에 영향을 받은 두 작가는 각자의 방식으로 회화의 본질을 탐구하며 독보적인 방법론으로 작품 세계를 확장했다. 

김민정(1962년생)은 동아시아의 서예와 수묵화 전통 그리고 동양 철학을 탐구하며 현대 추상화의 구성 어휘를 확장하는 작업을 30여 년 동안 지속해 오고 있다. 작가는 종이, 먹, 그리고 불과 같은 가장 기본적인 재료들로 작업한다. 이러한 제한적인 환경은 극도의 통제와 집중력을 필요로 한다. 때로는 몇 시간 또는 며칠 동안 명상적인 집중력을 발휘해야 하는데 작가는 이 과정을 ‘영적인 상태에 이르는 길’에 비유한다.

‘부스 G13’에서는 〈Moonlight〉, 〈Star Story〉, 〈Encounter〉, 〈Regeneration〉 등의 김민정의 신작이 공개된다. 〈Moonlight〉는 먹으로 점을 찍어 은은하게 퍼진 그라데이션이 불로 섬세하게 그을린 원형과 대비를 이룬다. 〈Star Story〉 또한 먹에 물든 한지를 배경으로 원형으로 태운 붉은 한지를 꽃처럼 콜라주하고 이를 서로가 얇은 실로 이어진 것처럼 연결하여 보는 이에게 섬세하면서도 강렬한 인상을 남긴다. 이렇듯, 그의 작품에는 우연과 계획, 충동과 질서, 잘린 것과 남은 것 등의 대립 개념과 상충하는 에너지가 공존한다. 

〈Mountain〉 연작은 먹으로 농도를 조절하며 그려진 산의 풍경이다. 처음 이 연작을 시작했을 때는 물결치는 파도의 소리를 표현하려 했으나 완성된 그림을 마주했을 때는 마치 어린 시절 고국에서 봤던 산 풍경이 떠올랐다고 한다. 그렇기 때문에 작가의 〈Mountain〉 연작은 실제로 그가 관찰한 산이 아닌 고향에 대한 그리움이 형상화된 상상 속 관념의 산이라고 할 수 있다. 

작가의 또 다른 대표적인 연작 〈Timeless〉는 〈Mountain〉 연작과 연결된다. 〈Timeless〉는 〈Mountain〉을 얇게 잘라 가장자리를 불로 태우고 이를 켜켜이 쌓아 완성되는 작업이다. 마치 수행하듯 호흡을 가다듬어 한지를 불로 태우는 행위, 그 조각을 섬세하게 그리고 반복적으로 배열하는 노동 집약적인 작업은 김민정의 작품 세계 전반을 복합적으로 아우른다.

신성희(1948–2009)는 한국에서 데뷔 초기부터 이미 명성을 얻은 작가였으나 1980년 파리로 활동 무대를 옮겨 다양한 미학적 자극에 반응하며 '회화의 본질’에 다가가는 실험적 행보를 지속했다. 두 나라 미술계의 주요 흐름이었던 단색화와 쉬포르 쉬르파스 작가들의 작품을 가까이에서 경험하며 평면의 화면에 입체 회화를 탐구한, 유례를 찾아볼 수 없는 독보적인 작가이다.

신성희는 평생 회화의 절대적 공간인 캔버스의 ‘평면성’이라는 한계를 극복하고 평면과 입체의 일체를 모색했다. 그는 허상의 회화를 거부하며 평면의 화면에 물리적으로 실재하는 입체감과 공간감을 도입하는 실험을 진행했다. 두툼한 판지를 찢어 콜라주 하거나 종이의 무른 성질을 활용해 일부를 자르고 뜯음으로써 평면이면서 동시에 입체가 되는 역설의 회화를 제작했다. 작가는 채색한 판지를 찢어 화면에 콜라주하고 과감한 색채를 도입하여 〈구조 공간(콜라주)〉 연작(1983–1992)을 작업하며 종이의 일부를 뜯거나 잘라 입체적 형상과 제3의 공간을 완성하는 ‘드로잉’ 작업(1982–1990) 보여주기도 했다.

이러한 배경으로 작가는 캔버스를 채색하고 다양한 넓이로 재단하여 그것을 박음질로 이은 〈박음 회화(꾸띠하주)〉 연작(1993–1997)을 선보였다. 캔버스를 자로 재어 세밀하게 자르고 박으며 이로 따라 생겨난 실밥은 그림자를 만들어 삼차원적인 효과를 준다. 신성희는 정교하게 그려 만든 허상의 눈속임이 아닌 회화 스스로 입체가 되는 파격적 회화를 다양한 방법론으로 연구하며 창작을 이어갔다. 그리고 마침내 잘라낸 캔버스 색 띠를 틀이나 지지체에 묶어 평면과 입체의 통합을 이룬 〈엮음 회화(누아주)〉 연작(1997–2009)이 탄생했다. 작가는 화려한 색채로 채색한 캔버스를 정교하게 잘라낸 뒤 재봉틀로 박음질하거나 씨줄과 날줄을 직조하듯 엮고 매어 입체적인 캔버스의 ‘몸’을 구축했다. 잘려진 캔버스 띠들이 조각처럼 작품의 전면과 후면을 아우르고 화면 안팎으로 그림자를 생성해 내는 입체적인 회화를 완성한다.

신성희가 40년 화업 동안 캔버스를 떠나지 않으면서 일관되게 탐구한 것은 가로와 세로의 평면에 공명하는 색채의 연속적 공간이다. 박음과 엮음으로 완성되는 직조된 회화 공간은 20세기 미술가들의 회화적 유산의 바탕에서 한 걸음 나아간다.