Over the course of three decades, Minjung Kim has created works that extend the compositional lexicon of contemporary abstraction through her disciplined and reductive yet inquisitive approach to East Asian traditions of calligraphy and ink painting. Kim works exclusively with traditional Korean hanji paper, and in her repetitive process of burning and layering the paper, she invokes a ritual of emotional healing and meditation while committing to the naturally singed lines created by the flames. She utilizes fire to represent time and space by experimenting with the flame to accelerate the delicate material’s otherwise centuries-long process of disintegration.

The artist’s decision to focus exclusively on the most basic materials such as paper, ink, and fire appears to have opened up infinite artistic possibilities for her. In fact, the extreme control and concentration that these materials inherently demand requires Kim to dedicate hours, often days, of meditative concentration. At the same time, the artist’s disciplined practice of emptying her mind and exploring the timeless cycle between such elements provides her with a rich artistic drive inspired not only by her own inner world but also by her spontaneous interactions with materiality.

This “collaboration” between paper and fire—the destructive act of burning and obliterating the most delicate of human inventions, paper, with a candle or incense—leads the artist to reflect on the cycle of nature and seek a mindset of emptiness. Kim’s dedication to process and her ruminations on creation and destruction manifest themselves in abstraction together with the formal language of each series. Likewise, the infinite variations in shade, form, and texture of the hanji create a sense of suspension in space defined by cyclical time, revealing a unique aesthetic tension in each work. For Kim, the creative process is itself a ritual journey from chaos to order, from static to movement, from impulse to restraint, and from void to fullness—and vice versa.

Born in Gwangju, South Korea in 1962, Minjung Kim studied traditional oriental painting at Hongik University in Seoul. Confronted with an art scene in Korea the 1970s and 1980s that was largely dominated by male artists, Kim made the decision in 1991 to study overseas at Milan’s Accademia di Belle Arti di Brera. There, Kim’s practice shifted from East Asian color paintings to abstract paintings in ink and color, inspired by the unpredictable effects of pigment absorbing into hanji paper. In the 2000s, her work shifted to cutting and burning hanji paper, disassembling and reimagining the canons of East Asian painting in favor of a meditative yet experimental process.
 
Minjung Kim’s works are included in the collections of major institutions such as Fondazione Palazzo Bricherasio, Turin; the Museumsbygningen, Copenhagen; the British Museum, London; the Dallas Museum of Art, Dallas; and the RISD Museum, Providence. She has presented solo exhibitions at institutions around the world, including at the Hill Art Foundation, New York (2020); Langen Foundation, Neuss (2019); White Cube, London (2018); Gwangju Museum of Art, Gwangju (2018); Gallery Hyundai, Seoul (2017, 2021); Hermès Foundation, Singapore (2017); OCI Museum of Art, Seoul (2015); and MARCO (Museo d’Arte Contemporanea Roma), Rome (2012). Her recent group exhibitions include presentations at the 14th Gwangju Biennale, Gwangju (2023); RISD Museum, Providence (2022); British Museum, London (2019); and Asia Society, New York (2018). 

김민정은 동아시아의 서예와 수묵화 전통을 탐구하며 현대 추상화의 구성 어휘를 확장하는 작품을 30여 년 동안 지속해 오고 있다. 작가는 한국의 전통 종이인 한지로 작업하며, 이를 태우고 겹겹이 쌓는 과정을 반복한다. 불꽃에 의해 만들어진 자연스러운 선에 몰입하며 완성되는 그의 작품은 관람자에게 정서적 치유와 명상의 의식을 환기한다. 김민정은 불을 실험적으로 사용해 종이라는 섬세한 재료의 분해 과정을 가속하며 시간과 공간을 표현한다.

종이, 먹, 그리고 불과 같은 가장 기본적인 재료들로 제한하고 집중하는 그의 결정은 작가 자신에게 무한한 예술적 가능성을 열어준다. 사실 이러한 재료는 극도의 통제와 집중력을 필요로 하기 때문에 작가는 몇 시간, 때로는 며칠 동안 명상적인 집중력을 발휘해야 한다. 동시에, 마음을 비우며 이러한 재료들의 끝이 없는 순환을 탐구하는 작가의 절제된 작업 방식은 자신의 내면세계뿐만 아니라 물질과의 즉흥적인 상호 작용에서 영감을 받아 풍부한 예술적 원동력을 제공한다. 

인간이 발명한 가장 섬세한 물질인 종이를 촛불이나 향으로 태워 없애는 파괴적 행위인 종이와 불의 ‘협업’을 통해 작가는 우리가 자연의 순환과 공의 개념을 성찰하도록 안내한다. 작품 제작 과정을 향한 작가의 집념과 생성과 소멸에 대한 성찰은 각 연작에서 추상과 형식 언어로 나타난다. 이와 함께, 한지의 음영과 형태, 질감의 무한한 변주는 순환하는 시간에 의해 정의되는 정지된 공간의 감각을 형성하며 작품 고유의 미학적 긴장감을 드러낸다. 작가에게 창작의 과정은 그 자체로 혼돈에서 질서로, 정지에서 움직임으로, 충동에서 억제로, 공허감에서 충만함으로, 혹은 그 반대로 나아가는 의례적인 여정과 같다.

김민정은 1962년 광주에서 태어나, 홍익대학교에서 동양화를 전공했다. 1970년대와 1980년대 남성 작가들이 주를 이루던 한국 미술계에 직면한 후, 1991년 밀라노의 브레라국립미술원에서의 유학을 결심했다. 당시 김민정은 한지에 안료가 흡수되는 어떤 예측할 수 없는 효과에 영감을 받아 동아시아 채색화에서 수묵과 채색 추상화로 작업의 방향을 전환했다. 2000년대에는 한지를 자르고 태우는 작업으로 전환하면서 명상적이면서도 실험적인 과정을 통해 동아시아의 회화 관습을 해체하고 재해석했다. 

김민정의 작품은 이탈리아 토리노의 폰다치오네 팔라초 브리케라시오, 덴마크 코펜하겐의 스비닌겐 미술관, 영국 런던의 대영박물관, 미국 댈러스의 댈러스미술관, 미국 프로비던스의 RISD 미술관 등 무수의 주요 기관에 소장되어 있다. 뉴욕 힐아트파운데이션(2020), 노이스 랑겐파운데이션(2019), 런던 화이트큐브(2018), 광주시립미술관(2018), 갤러리현대(2017, 2021), 싱가포르 에르메스파운데이션(2017), OCI미술관(2015), MACRO 로마현대미술관(2012) 등 세계 유수의 기관에서 개인전을 개최했으며, 최근 제14회 광주비엔날레(2023), 프로비던스 리즈디미술관(2022), 런던 대영박물관(2019), 그리고 뉴욕 아시아소사이어티(2018)에서 작품을 선보였다.