"Each day, I come across countless things—some stir emotions within me, while others pass by unnoticed. There are moments when something moves me deeply, yet when I later stand before the canvas, that feeling doesn’t return, and the experience fails to become a painting. Other times, something I barely registered at the time resurfaces with unexpected clarity and insists on becoming a work. Undoubtedly, it is the initial impression and the lingering resonance that spark the beginning of my paintings. But for me, I believe it is the emotions that quietly remain—those that resurface when I face a blank canvas—that truly compel me to paint. And when I long to reconnect with those feelings, I often find myself returning to the place where they first came to me." —Kim Bohie
Gallery Hyundai is pleased to announce its collaboration with artist Kim Bohie. Marking the beginning of this new partnership, the gallery will present a solo booth dedicated to Kim at Art Busan 2025, featuring new works from her iconic Towards series.
Renowned for her experimental approach that transcends the traditional boundaries of East Asian and Western painting and the acuity of her formal language, Kim has developed a distinctive practice of landscape painting. Blending interpretation of traditional techniques with a contemporary sensibility, she delicately captures everyday moments in nature and our surroundings on canvas.
Kim incorporates various colored ink techniques into her practice, blending them freely to introduce organic elements into the traditionally flat East Asian painting—thus opening new possibilities in landscape art. Since relocating to Jeju Island in 2003, her gaze has turned toward the everyday environments that surround her—the sea, palm trees, flowers, fruits, seeds, and her constant companion, her dog Leo. With vivid intensity and delicate precision, Kim renders these subjects on canvas, amplifying their vital energy and infusing them with a quiet dynamism. While Kim does not reject objective representation, nothing in her paintings is strictly mimetic. The flowers and fruits that appear in her work, for example, are born through meticulous observation and contemplation. They are then magnified, transformed, and reborn as symbolic structures that express the essential vitality and cyclical nature of life. This approach reflects the artist’s consistent pursuit—not of depiction for its own sake, but of using nature as a lens to look beyond it. A critic once described Kim’s paintings as “meditative landscapes”—a fitting expression for how she quietly, yet profoundly, gazes into the narratives of life held within nature. From tiny blossoms and fruit to towering palm trees and expansive seas, her canvases capture and reflect the rhythms of life through her distinctive, contemplative gaze.
Another defining characteristic of Kim Bohie’s painting lies in the notion of permeation—both in terms of material and technique. In recent works, she places no restriction on medium, freely combining mineral pigments, water, glue, and acrylic on both canvas and hanji (Korean traditional paper). Through this process, she preserves the essential quality of Korean painting, in which colors are gradually absorbed and built up layer by layer. Her work is fundamentally different from the impasto textures of Western oil painting, which rest on the surface. Instead, the repeated cycles of application and drying in Kim’s practice yield a depth of color that is expressed with extraordinary subtlety. In particular, her seascapes of Jeju Island can be seen as an extension of the East Asian concept of pictorial flatness, reinterpreted through delicate accumulation and expansion.
“매일매일 많은 것들을 마주치면서 다양한 느낌을 받기도 하고 무심하게 바라보며 그냥 지나가기도 합니다. 그 때는 감동을 느꼈는데 막상 캔버스 앞에 서면 그 감흥이 되살아나지 않아 작품으로 이어지지 않는 경우도 자주 있고 반대로 무심코 지나쳤던 것들의 모습이 강하게 되살아나 작품으로 태어나기도 하지요. 결국 첫 느낌과 여운이 작품을 그리게 되는 시작임에는 틀림없으나 내 경우에는 빈 캔버스를 처음 마주했을 때 마음 속에 남아 있는 느낌들 만이 작품을 그리게 하는 원동력이 되는 것 아닐까 생각합니다. 그래서 그 느낌을 다시 만나고 싶을 때는 그 곳을 다시 찾습니다.” —김보희
갤러리현대는 김보희 작가와 함께합니다. 작가와의 첫 호흡으로, 아트부산 2025에서 작가의 솔로 부스를 선보이며 대표 연작인 〈Towards〉의 신작들과 주요작을 소개할 예정입니다.
동양화와 서양화의 경계를 넘나드는 실험적 태도와 깊이 있는 조형 언어로 자신만의 독창적인 풍경 회화를 구축해 온 김보희는 전통 회화에 대한 해석과 현대적 조형 감각으로 아우르며 자연과 주변 풍경 등 일상의 순간을 섬세하게 화면에 담아 냅니다.
작가는 다양한 채색 수묵 기법을 적극적으로 혼용하면서 동양화 특유의 평면적 묘사에 유기적 요소를 결합하며 풍경 회화의 새로운 가능성을 제시하고 있습니다. 2003년 제주도에 정착한 이후, 작가의 시선은 제주의 풍경, 바다, 야자나무, 꽃, 열매, 씨앗, 그리고 작가와 늘 함께하는 반려견 레오와 같이 자신의 일상에 개입해 들어온 주변의 것들로 향합니다. 작가는 이렇듯 주변의 자연 풍경을 생동감 있고 세밀하게 포착하면서 그 안에 깃든 생명의 기운을 극대화하여 화면에 담아냅니다. 김보희는 객관적 재현을 거부하지는 않지만, 그의 작업 속 풍경 안에서 엄밀하게 재현적인 것은 하나도 없습니다. 예를 들어, 작품 속의 꽃과 열매는 철저히 관찰과 사유의 과정을 거쳐, 확대되고 변형되며, 본질적 생명성과 순환의 원리를 시각적으로 풀어내는 하나의 상징적 구조로 재탄생합니다. 이는 자연을 단순히 묘사하는 데 그치지 않고, 그것을 매개로 그 너머를 들여다보고자 하는 작가의 일관된 태도를 보여줍니다. 이러한 작업 세계를 두고 한 평론가는 김보희의 회화를 ‘명상적 풍경’이라고 언급한 바 있는데요. 작은 꽃과 열매부터 거대한 야자수, 그리고 끝없이 펼쳐진 바다에 이르기까지, 김보희는 자연이라는 거대한 존재가 품은 생명의 서사를, 자신의 시선으로 조용히 그리고 깊이 있게 들여다보며 그 안에 담긴 이야기를 화폭에 고스란히 담아냅니다.
또한, 김보희의 회화는 재료와 기법의 특성상 스며듦이 특징입니다. 최근 작품에서 작가는 재료에 제한을 두지 않고 캔버스 천과 한지에 분채와 물, 아교 및 아크릴 등을 자유롭게 혼용하여 물감이 스며들게 차곡차곡 색을 쌓아 올리는 한국화의 특성을 그대로 살리고 있는데요. 김보희의 작품은 유화 물감이 표면 위에 두껍게 층을 이루는 서양화의 마티에르와는 근본적으로 다른 질감을 갖고 있습니다. 수차례 색을 입히고 말리는 반복적인 과정이 색의 깊이로 섬세하게 표현되는 작가의 제주도 바다 풍경은 동양화적 평면에 대한 또 다른 확장의 시도로 보입니다.