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“We were born as a plane with a dream to be a three dimensional object. The structure and thickness of a plane hope to approach for a space.”
Shin Sung Hy,  in “Testimony of Canvas,” 2005

Espace Pictural, an exhibition of the work of Shin Sung Hy (1948–2009), will be taking place at Gallery Hyundai’s Dugaheon house from July 5 to 30. Focusing on paper drawings created by Shin between the 1980s and 1990s, Espace Pictural explores the original artistic vision of an artist who pioneered the realm of “painting beyond painting,” where the two-dimensional coexists with the three-dimensional. To show the organic continuity in Shin Sung Hy’s body of work, the exhibition also features work from his painting series Collage, Solution de Continuité, and Nouage, which show close connections with the methodology behind his drawings.

Shin Sung Hy is viewed as one of the most original artists not to be associated with any particular trend in Korean contemporary art history. Shin was a seeker who transcended the bounds of the canvas as an absolute space in painting and explored the integration of the two- and three-dimensional. After drawing notice at major competitions such as the Korean Art Grand Award Exhibition—where he won special honors for his 1971 surrealistic trilogy Empty Heart—he presented his series of toile de jute paintings in 1974, featuring realistic renderings of shadows and fraying strands on coarsely textured burlap sacks. With this work, he explored the relationships between representation and abstraction, between object and painting, and between truth and fiction.

Relocating to Paris in 1980, Shin sought answers to the question, “What is the essence of painting?” Rejecting painting as fiction, he experimented with introducing physically real volume and spatial sense to two-dimensional canvases. Tearing up thick cardboard to turn into collages or making use of the pliability of paper by cutting and ripping pieces of it, he created paradoxical works of painting that were at once two- and three-dimensional. He would continue expanding his artistic vision with his series Espace de Structure (1983–92), which introduced bold colors to collages of torn, colored cardboard canvases; his drawing work from 1982 to 1990, which created three-dimensional shapes and “third spaces” through the partial tearing and cutting of paper; his series Solution de Continuité (1993–97), produced by cutting colored canvases into bands of designated sizes and stitching them together; and his series Nouage (1997–2009), which integrated surface and volume by gathering sliced colored bands of canvas and fixing them to a frame or other support structure.

The focus of the exhibition Espace Pictural is on his paper-based drawings, which offer a glimpse into the artist’s cheerful yet serious experimental series as he worked to achieve major transformations in his body of work in roughly ten-year cycles. His paper drawings from the 1980s and early 1990s would lay the groundwork for two of his defining series—Solution de Continuité and Nouage—as the canvas was decided upon as a support structure. With their varied colors and three-dimensional shapes, Shin’s Solution de Continuité and Nouage work aspired to maximalism, but his drawings capture the eye with their minute, minimal detail.

Shin’s drawing work can be divided into two main series: Recherche spatiale, in which he applied oil to paper and allowed it to sit, after which would tear and punch holes in it to create sculptural forms and real spaces beyond two dimensions, and Espace Pictural, in which he varied the degree of representation in an approach similar to producing cylindrical spaces on sleek paper and placing multicolored masses inside them, or painted fragments of color like jewels studding an abstract, two-dimensional, achromatic mass. Shin would create three-dimensionality by folding cut pieces of paper, while leaving the clipped portions empty to establish them as new pictorial spaces. This work offers a look at his uniquely original methods, as he made a creative act of destruction with his tearing and shredding of his paintings’ support structures.

To provide a glimpse at the organic continuity in Shin Sung Hy’s body of work, the Espace Picturel exhibition presents 16 works of paper-based drawing; three works from his Untitled series of abstract paintings, in which he applied plaster to canvas to form a coarse surface upon which he placed acrylic paint in expressionistic brushstrokes; and various paintings from his series Espace de Structure, Solution de Continuité, and Nouage. 

“우리는 입체가 되고자 하는 꿈을 갖고 평면에서 태어났다. 평면의 조직과 두께는 공간을 향해 나아가기를 희망하였다.”
신성희, 작가노트 <캔버스의 증언>(2005) 중에서

신성희(1948-2009)의 개인전 《회화공간》이 갤러리현대 두가헌에서 7월 5일부터 7월 30일까지 열린다. 《회화공간》전은 1980년대부터 1990년대 초반까지 완성된 신성희의 종이 드로잉 작품을 중심으로, 평면과 입체가 공존하는 ‘회화를 넘어선 회화’ 영역을 개척한 그의 창조적인 작품세계를 조명한다. 또한 신성희 작품세계의 유기적인 연속성을 확인할 수 있도록 드로잉 작품의 방법론과 긴밀하게 연결되는 <꼴라주>, <연속성의 마무리>, <누아주(nouage, 엮음)> 회화 연작도 함께 소개한다.

신성희는 한국 현대미술사의 특정 사조에 속하지 않는 가장 독창적인 작가로 평가된다. 그는 구도자처럼 회화의 절대적 공간인 캔버스의 한계를 극복하고 평면과 입체의 일체를 모색했다. 1971년 초현실주의 화풍의 <공심(空心)> 3부작으로 한국미술대상전에서 특별상을 받는 등 주요 공모전에서 두각을 드러낸 그는 1974년 거친 질감의 마대에 마대의 풀린 올과 그림자를 사실적으로 재현하는 일명 ‘마대’ 회화 연작을 발표하며 재현과 추상, 대상과 회화, 사실과 허상의 관계를 탐색했다.

1980년 파리로 활동 무대를 옮긴 작가는 '회화의 본질은 무엇인가'라는 질문에 답을 찾아갔다. 그는 허구로서의 회화를 거부하며 평면의 화면에 물리적으로 실재하는 입체감과 공간감을 도입하는 실험을 진행했다. 두툼한 판지를 찢어 콜라주 하거나 종이의 무른 성질을 활용해 일부를 자르고 뜯음으로써 평면이면서 동시에 입체가 되는 역설의 회화를 탄생시킨 것이다. 채색한 판지를 찢어 화면에 콜라주하고 과감한 색채를 도입한 <구조공간> 연작(1983-92), 종이의 일부를 뜯거나 잘라 입체적 형상과 제3의 공간을 완성하는 ‘드로잉’ 작업(1982-1990), 채색한 캔버스를 일정한 크기의 띠로 재단하고 그것을 박음질로 이은 <연속성의 마무리> 연작(1993-97), 그리고 잘라낸 캔버스 색 띠를 틀이나 지지체에 묶어 평면과 입체의 통합을 이룬 <누아주> 연작(1997-2009)으로 작품세계를 전개해 갔다.

《회화공간》전은 10년 주기로 작품세계에 큰 변화를 모색한 신성희의 유쾌하면서 진지한 '실험정신'을 엿볼 수 있는 종이 드로잉 작품에 주목한다. 1980년대와 1990년대 초반에 완성된 종이 드로잉은 훗날 캔버스라는 지지체로 확정되어 작가의 대표 연작인 <연속성의 마무리>와 <누아주>가 탄생하는 기반이 된다. <연속성의 마무리>와 <누아주>가 다채로운 색채와 입체적 형상을 통해 맥시멀리즘을 지향했다면, 그의 드로잉은 미니멀하면서도 작은 디테일을 통해 우리의 눈길을 사로잡는다. 

그의 드로잉 작품은 종이에 오일을 발라 무르게 한 다음 이를 뚫고 뜯어서 조각적 형상과 평면 너머의 실제 공간을 만드는 <공간탐색> 연작, 매끈한 종이에 원통의 공간을 그리고 그 안에 형형색색의 덩어리를 넣은 듯이 재현의 정도를 달리하거나, 평면화된 무채색의 추상적 덩어리에 보석처럼 박힌 색색의 파편을 그린 <회화공간> 연작으로 구분된다. 종이의 잘라낸 부분을 접어 입체를 만들고, 잘라낸 부분을 비워 두고 이를 새로운 회화적 공간으로 정립한다. 그림의 지지대를 뚫고 찢는 파괴를 창조적 행위로 전환하는 신성희만의 독창적 방법론을 확인할 수 있다.

《회화공간》전은 종이 드로잉 16점, 캔버스에 석고를 발라 거친 질감을 만들고 그 위에 아크릴 물감의 표현주의적 붓질을 더한 추상 회화 <무제> 연작 3점을 비롯해, <구조공간>, <연속성의 마무리>, <누아주> 연작을 함께 소개하면서 신성희 작품세계의 유기적인 연속성을 엿볼 수 있도록 구성됐다.