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Gallery Hyundai is proud to present BERLIN, a solo exhibition by the artist Yun-Hee Toh. Yun-Hee Toh is one of Korea’s premier female artists, someone who has spent the past four decades creating a poetic visual language. “My work is a process in search of the hidden beauty behind phenomena,” the artist has said. Indeed, she uses her exquisite pictorial language to capture things that are concealed from the eyes or that exist hidden on the other side of the phenomena we see: fragments and secret corners of unfamiliar lives, or sides that remain obscured.

Coming seven years after Night Blossom, the solo exhibition BERLIN sees Yun-Hee Toh’s sharing a new world of painting that is quite different from her previous works. More than simply making an active use of color as one of the basic languages and materials of painting, she has begun accentuating its physical properties even more. Where Night Blossom had thin layers of paint emanating with the artist’s hand like clouds of petals in full bloom over the canvas, the paint in BERLIN is a mass of color with powerful materiality and the sensual texture of a living organism. Toh shares a bewitching aesthetic that parts ways with more familiar painting approaches—as seen in the way she creates empty spaces by creating holes on the canvas among the multiple layers formed through the mixing and overlapping of untrammeled lines and masses of color.

Stimulating the full range of the viewer’s perceptions and senses, the images in Yun-Hee Toh’s work appear like vast portals into another world—like colorful bouquets of flowers, or the afterimage of a deserted riverside at sunset. Touches like the color panoramas and waves that dominate the frame call to mind the detailed images of Impressionist painting, while the marks left by the artist’s hands as she clenched and rapidly unleashed her paints evoke the ancient wall paintings found in caves. According to the artist, these scenes are the abstract landscapes in which the different spaces and times she has experienced over the course of her life—things built up within her over time—have finally revealed themselves. In her tenacious experiments with using the language of painting to capture the worlds of the image formed by these infinitesimal perceptions, Toh finally made a shift from her previous lyrical and metaphoric work toward an approach based on “pictorial language.” Many conflicting elements both clash and harmonize in direct and sensual ways in her new series: thin and shiny surfaces with thick and murky layers, dull masses with nimble lines, brightness with darkness, intense colors with subtle energies, vast movements with movements that are almost imperceptible.

To quickly capture the bright lights, swirling colors, and floating shapes that flicker before her eyes from moment to moment before they evaporate, the artist uses every sort of tool—her own hand, her brush, the edge of a broken brush, a glass bottom, a hammer—as if in a kind of hand-to-hand combat with the canvas. From the traditional act of simply “painting,” she has progressed into dynamic gestures: feeling, rubbing, dabbing, layering, and slashing her paints. The juxtaposition and layering of masses of paint as condensations of internal energy presents a new world of abstraction that expands into the realm of the sculptural. Invoking an internal language through acts that are more intuitive and physical, Toh stresses, “Abstraction is not fantasy. It is not illusion, reverie, or imagination, but something that begins with perception. It’s about being aware of the reality—and about making that even richer in a metaphorical sense!”

갤러리현대는 도윤희 작가의 개인전 《BERLIN》을 개최한다. 도윤희는 40여 년 동안 시적인 시각 언어를 구축한 한국을 대표하는 여성 화가다. “나의 작업은, 현상의 배후에 숨겨져 있는 아름다움을 찾아내는 일이다.”라는 작가의 말처럼, 그는 눈에 띄지 않고 숨겨져 있거나, 낯선 삶의 파편과 구석, 가려진 뒷면, 즉 우리가 볼 수 있는 어떤 현상 이면에 숨겨져 있는 것들을 섬세한 회화언어로 포착해왔다.

《Night Blossom》 이후 7년 만에 열리는 개인전 《BERLIN》에서 도윤희는 이전과는 확연히 다른 새로운 회화 세계를 펼친다. 작가는 회화의 기본적 언어이자 재료인 색을 적극적으로 사용하는 것에서 나아가, 그것의 물성을 더욱 되살린다. 《Night Blossom》에서 작가의 손길에 따라 캔버스 화면에 만개한 꽃잎이나 뭉게구름처럼 퍼져 가던 얕은 층위의 물감은, 《BERLIN》에서 색 덩어리로 강렬한 물질성을 획득하고 생명체처럼 육감적인 질감을 지닌다. 거침없는 선과 색 덩어리가 쌓이고 뒤섞여 형성한 다층적인 레이어들 사이에 구멍을 뚫어 빈 공간을 마련하는 등 익숙한 회화의 모습과 다른 매혹적인 미감을 선사한다.

우리의 인식과 감각을 총체적으로 자극하는 도윤희 작품의 이미지들은 다른 세계로 통하는 커다란 입구처럼 보이며, 형형색색의 꽃다발이나, 해 질 녘 강변의 쓸쓸한 잔상처럼 보이기도 한다. 작가에 따르면, 이 화면들은 그가 평생 경험한 다양한 시공간이 내면에 쌓였다가 이제서야 모습을 드러낸 추상적 풍경이다. 도윤희는 미세한 감각이 형성한 이러한 이미지의 세계를 회화의 언어로 포착하려는 집요한 실험을 전개하며, 이전의 서정적이며 문학적인 작업에서 시각적인 언어(pictorial language)로의 대전환을 이루게 되었다. 얇고 반짝이는 표면과 두껍고 탁한 층, 둔탁한 덩어리와 민첩한 선, 밝음과 어두움, 강렬한 색과 은은한 기운, 커다란 동작과 미세한 움직임까지. 새로운 연작에서는 수많은 상반되는 요소들이 직접적이고 감각적으로 충돌과 조화를 동시적으로 이룬다.

시시때때로 자신의 눈앞에 아른거리는 찬란한 빛과 소용돌이치는 색들, 부유하는 형태가 증발해버리기 전에 재빠르게 붙잡기 위해, 작가는 캔버스 앞에서 마치 육탄전을 벌이듯 손, 붓, 부러진 붓의 모서리, 유리병, 망치 등 도구를 가리지 않고 활용한다. ‘그림을 그린다’는 전통적 행위는 물감을 만지고, 주무르고, 찍고, 쌓고, 선을 긋는 역동적 제스처로 나아가며, 내면의 에너지가 응축된 물감 덩어리의 병치와 축적은 조각적 영역으로까지 확장된 새로운 추상의 세계를 제시한다. 보다 직관적이고 육체적인 행위를 통해 내면의 언어를 소환하는 도윤희는 강조한다. “추상은 환상이 아니에요. 환상, 몽상, 상상 같은 게 아니고 인식에서 시작하는 거예요. 실체를 인식하는 것. 그리고 그것을 은유적으로 더욱 풍요롭게 만드는 것!”