Gallery Hyundai presents Will There Be an Answer?, its first solo exhibition with Woosung Lee. The artist works across drawing, painting, and animation to explore the relationship between everyday life and art, experimenting with the meaning of drawing and the expressive possibilities of painting. Rooted in his practice of translating everyday life into painting, Lee’s work borrows from visual traditions such as painting from life, minhwa (Korean folk painting), genre painting, and Minjung Art. Through these references, he warmly captures the figures and sentiments of contemporary life, establishing a distinctive position within Korean figurative painting. Through scenes drawn from everyday life, Lee has unfolded narratives of youth, solidarity, humor, travel, family, and queer romance. His subjects range from the people and places around him, such as friends, family members, and neighborhood restaurants, to ordinary objects and even broader social events. While the artist has for some time focused primarily on figures drawn from his surroundings, this exhibition turns its attention toward landscape, a subject that encompasses layered experiences of time and perception. The exhibition presents over forty works, including a large-scale hanging painting, as well as a sound work composed of recordings made in different sites.

Over the past fifteen years, Lee has focused on the “present” of the time and place in which we live. In the early 2010s, he expressed the anxieties, contradictions, and divisions of his twenties through striking images, such as burning duck boats or figures rowing across seas of fire, producing works with a much more intense atmosphere than his recent paintings. Following his first solo exhibition, Bul Bul Bul (2012), Lee began translating the people and moments he encountered in daily life into paintings that avoid both excessive heaviness and lightness. In Returning Entering Descending Devouring (2013), he expressed fragmented and divided emotions with humor, and from Pulling from the Front, Pushing from Behind (2015) onward, he actively incorporated people, objects, and landscapes from his surroundings into his work. During this period, he also developed large-scale hanging paintings on fabric. In My Dear (2017), Lee created monumental works ranging from two to nearly ten meters in length. Later, in Come Sit with Me (2023), he simplified the backgrounds into monochrome fields and brought the figures into close view, heightening the subtle expressions and silhouettes of his subjects. He also introduced cartoon-like characters drawn with deceptively simple lines in the self-portrait series I Am Still Working (2023), presenting figures filled with melancholy and worry that reflect his own presence just beyond the frame. The “present” Lee seeks to capture is not a fixed or fragmented moment that slips into the past and fades into memory. Like an expression that remains unforgettable for a lifetime, the “present” he constructs refers instead to a beautiful moment that persists across the flow of past, present, and future. In 2023, Lee wrote in an exhibition catalogue: “I will return here again to encounter this beauty. I am grateful that I can paint it with my own hands.”

Lee’s landscapes move beyond simple representation. Although they begin with places the artist encountered in everyday life, layers of time and sensation overlap and collide within them, bringing together past and present, as well as personal and collective experiences and memories. Through this process, the works evoke a paradoxical and ironic sense of beauty. The works in the exhibition feature a wide range of locations, from specific sites such as Hangang Bridge, Jongno 3-ga Station, Ttukseom Hangang Park, and Gyeongpo Beach, to urban spaces like alleyways and parking lots, as well as natural settings including rice fields, farmland, the sea, valleys, and waterfalls. Lee begins each work with scenes he photographed or recorded in places he encountered, then reconstructs the image by layering memory, sensation, and imagination. Grounded in reality and rendered with careful detail, these landscapes incorporate surreal elements: seas and rivers, skies and clouds, and light appear in unexpected ways, while cartoon-like figures emerge and overlap across the scene. The resulting images blend observed reality with sensation, memory, and dream, inviting viewers to enter a threshold between these realms, a present moment that seems almost eternal.

Lee’s shift from figures to landscapes does not signal a departure into a new world so much as an expansion of the “present” that has long occupied his attention. If his earlier portraits captured faces and silhouettes shaped through layered experiences, realities, and relationships with others, the landscapes similarly function as expressions of fleeting moments he perceives in the world, encompassing equally profound emotions. The exhibition title Will There Be an Answer? asks a question that may seem directed at another person, but it is not limited to a single individual. It can also refer to the self in the present, the self in another time, and to places where many layers of time and memory gather, along with the people connected to them. Ultimately, it points to the interconnected “I” and “we” that bind all of these elements together. In an artist’s note written while preparing this exhibition, Lee reflects: “From that day on, I looked at photographs of landscapes and began painting them one by one. They are landscapes that remind me of who we were then, and landscapes that connect to who I am now.” Before these landscapes, quietly alive with poetic movement, the artist and perhaps we as well find ourselves asking a question: Will there be an answer?

《너에게 물으면 알 수 있을까?》는 이우성과 갤러리현대가 함께하는 첫 개인전이다. 작가는 ‘생활과 미술’을 주제로 드로잉, 회화, 애니메이션 등 다양한 매체를 활용하며, 그리는 행위의 의미와 회화의 표현 가능성을 실험해 왔다. 일상의 회화화를 실천하는 그의 작업은 사생화, 민화, 풍속화, 민중미술 등의 양식을 차용해 동시대 ‘우리’의 모습과 정서를 친근하게 담아내며 한국 구상회화에서 독자적인 위치에 자리한다. 그는 친구와 가족, 동네 식당 등 주변의 인물과 장소는 물론 사물, 사회적 사건에 이르기까지 다양한 일상의 장면을 통해 청춘, 연대, 유머, 여행, 가족, 퀴어 로맨스 등의 서사를 화면에 펼쳐왔다. 한동안 주변 ‘인물’을 집중적으로 그려왔던 작가는 이번 전시에서 다층적인 시간과 감각을 포괄하는 ‘풍경’에 주목한다. 다양한 풍경을 오가며 기록한 사운드 작업을 비롯해 대형 걸개그림과 캔버스 작업 40여 점을 선보인다.

이우성은 지난 15여 년간 우리가 살고 있는 시공간의 ‘현재’에 주목해 왔다. 2010년대 초반, 20대 시절의 불안과 모순, 분열 등 당시 ‘현재’의 정서를 불타는 오리배나 불바다에서 노를 젓는 인물 등의 화면으로 드러내며, 근작과는 결이 다른 강한 인상의 작품을 남겼다. 2012년 첫 개인전 《불불불》 이후 그는 실제 마주했던 사람과 순간을 지나치게 무겁거나 가볍지 않은 화면으로 옮기기 시작했다. 2013년 개인전 《돌아가다 들어가다 내려오다 잡아먹다》에서는 분열되고 파편화된 정서를 유머러스하게 표현했으며, 2015년 《앞에서 끌고 뒤에서 밀며》부터는 주변 인물과 사물, 풍경을 적극 작업에 끌어들였다. 이 시기에는 천을 바탕으로 하는 걸개그림 작업도 함께 전개했다. 2017년 《당신을 위해 준비했습니다》에서는 2미터부터 시작해 10미터에 육박하는 대형 작품을 제작했으며, 2023년 《여기 앉아보세요》에서는 배경을 단색으로 처리하고 인물을 클로즈업하여 인물의 표정과 실루엣에 담긴 감각을 극대화했다. 또한, 비교적 단순해 보이는 선으로 그린 만화적 인물을 등장시켜 프레임 바깥의 자신의 모습을 담은, 우울과 걱정으로 가득한 자화상 연작 〈지금 작업 중입니다〉(2023)을 선보였다  이우성이 발견하고 담고자 하는 ‘현재’는 고착화되어 분절되는, 과거로 밀려나 기억 속에서 사라지는 순간이 아니다. 평생 잊을 수 없는 표정이 있듯이, 그가 구축하는 ‘현재’는 과거와 현재, 미래라는 시간의 흐름을 관통하며 지속되는 아름다운 순간을 의미한다. 2023년, 이우성은 전시 도록에 다음과 같은 말을 남겼다. “나는 이곳에 다시 올 거야. 이 아름다움을 만나기 위해서. 내 손으로 그것을 옮겨 그릴 수 있는 것에 감사해” 

그의 풍경 작품들은 단순한 재현을 넘어선다. 작가가 일상에서 직접 마주했던 장소에서 출발하지만, 과거와 현재, 개인, 집단의 경험과 기억 등 여러 시간의 층위와 감각들이 중첩되고 충돌하여 역설적이고 아이러니한 아름다움을 은유한다. 전시작에서는 한강대교, 종로3가역, 뚝섬유원지, 경포 해변과 같은 특정 장소부터 골목길과 주차장 같은 도시 공간, 논과 밭, 바다와 계곡, 폭포에 이르는 자연까지 다양한 장소가 등장한다. 작가는 직접 마주했던 장소에서 촬영하거나 기록한 장면을 바탕으로 작업을 시작하고, 이후 기억과 감각, 상상을 더해 화면을 재구성했다. 현실을 기반으로 하여 세밀하게 묘사된 풍경에 바다와 강, 하늘과 구름, 빛이 초현실적으로 표현되고, 만화적인 인물들이 포개지며, 사실적인 현실과 감각, 기억이 뒤섞인 꿈, 그 사이 경계로, 영원할 것 같은 현재로 관객을 초대한다.

이우성의 ‘인물’에서 ‘풍경’으로의 전환은 새로운 세계로의 도전이라기보다는 그가 주목해 왔던 ‘현재’의 확장으로 보인다. 인물을 통해 겹겹의 경험, 현실, 타인과의 관계 속에서 형성된 얼굴과 실루엣을 그려 왔다면, 풍경 또한 그가 포착한 세상의 번뜩이는 순간에 대한 표정으로 심층적인 정서를 포괄한다. 따라서 전시 제목 《너에게 물으면 알 수 있을까?》에서 ‘너’는 타인과 지금의 나, 타자화된 시간 속의 나, 나아가 다중의 시간이 겹겹이 쌓인 장소와 그 안에 담긴 인물들, 그리고 이 모든 것들과 연결된 ‘나’와 ‘우리’를 의미한다. 이번 전시를 준비하며 작성한 작가 노트에는 다음과 같은 문장이 있다. “그날부터 풍경 사진들을 보며 하나씩 옮겨 그렸어요. 그때의 나와 우리가 생각나는 풍경들. 지금의 나와 연결되는 풍경들입니다.” 이 시적인 움직임으로 꿈틀거리는 풍경에 작가는, 아니 우리는 묻는다. ‘너에게 물으면 알 수 있을까?’