Participating Artists
John Pai, Choong Sup Lim, Ik-Joong Kang, Minjung Kim, Seulgi Lee, Kim Jipyeong, Kang Seung Lee, Hyeree Ro, Jean Shin, Kyung-Me, Archive of Korean Artists in America (AKAA) of AHL Foundation

“Now, absence can exist only as a consequence of the other: it is the other who leaves, it is I who remain.” - Roland Barthes, A Lover’s Discourse (1977)

Gallery Hyundai New York Project Space is pleased to present The Absent One (March 12–April 25, 2026), a group exhibition bringing together an intergenerational group of Korean and Korean diasporic artists whose works revise the notion of inheritance not as something that is passed down but planted as a seed. And like seeds, it is not a given that they will grow, but requires ritual, care, and a balance between agency and withdrawal. For some artists, these seeds are experienced as absence, causing memories of one’s homeland and its traditions to be experienced as fugitive, while the one who longs for it constructs language in order to create rhythm and shape to their waiting. Whether it is through objects such as the Moon Jar, contours of Korea’s hilltops, folktales, or an amalgamation of sensations, materials, and people, in the works by Ik-Joong Kang, Minjung Kim, Seulgi Lee, and Choong Sup Lim, ideas and memories of the homeland are invoked. Therefore, the figure of the mother, ideas of non-patriarchal lineage, and nonbiological forms of kinship are a specter throughout this show. 

If Ik-Joong Kang and Choong Sup Lim, an early generation of Korean artists in New York, give form to the kinesthetic sensations echoing off traditional vessels and ideographs, Seulgi Lee similarly translates and interprets folk traditions and languages around the world but takes an anthropological approach in directly collaborating with artisans keeping these lineages alive. Minjung Kim found infinite potential in the traditional materials of ink and hanji (Korean mulberry paper), inviting dialogue between the rigorously repetitive, meditative process of cutting and burning paper and a surrender to unpredictable material effects. 

Kang Seung Lee’s Untitled (Pebble from Tapgol Park) (2018) allows drawing to become a tool for alliance with lesser-known moments in global queer histories, the dense accumulation of marks a physical rehearsal of collective memory that persists or rebuilds through erasure. John Pai’s drawings Chamber to Chamber, Darkness in the Light of Day, No News, and Worry (all 2003) are results of the artist helplessly waiting during his daughter’s experience leading up to childbirth. Through the painstaking repetition and buildup of fine lines, Pai allows abstraction to become a private ritual and a communion, bridging the gap between himself, his child, and future grandchild. After years of working on meticulous ink drawings made with pen and ruler, Kyung-Me shifted toward East Asian ink painting as a way of loosening control and engaging uncertainty. Over the last two years, she has been experimenting with ink painting, with an emphasis on movement, spontaneity, and the material behavior of ink and paper. The works develop through repetition and variation, with each painting unfolding on its own terms. Jean Shin, known for her works of everyday cast offs, uses the patterns from the clothing of her young child, inserted within her and her partner’s, thinking about the ever shifting physical human bodies in relation to what constitutes a family unit. Ideas of insertion and connection are further explored in Hyeree Ro’s flour hat (floor) (2021, video) where she and two performers participate in quotidian activities such as hair braiding and children’s yarn games. The central motif that brings the performers together is a flour hat, made for three heads through its connected rims, pointing towards the fragile yet stickiness of familial lineage and kinship. 

This exhibition acts as a thought companion and an iteration of Gallery Hyundai’s recently closed show Way of Painting in Seoul, which was a meditation on tradition as a living language. While many visual and craft traditions exist in the history of Korean art, how contemporary artists adopted and adapted those vocabularies have not followed linear genealogies. Moving beyond canonization, the exhibition reconsidered forms of Korean visuality that have existed within everyday life, often unclassified and unnameable, complicated by Korea’s painful history of colonization, war, division, dictatorship, democracy movements, and economic upheaval. Featured in this show is Kim Jipyeong’s Rieul-Stars (2022), a print on Hwaseonji which, echoing her works that were presented in Seoul, reassembles fragments of paintings and traditional decorative elements to which also contain their own marginalization or erasure, recalling formats of traditional Korean painting as open structures. 

Taking the exhibition as a starting point and site for thought and research, the works in this exhibition will be joined by archival material from the Archive of Korean Artists in America (AKAA) of AHL Foundation, a long standing Korean American non-profit that have supported the work of Korean and Korean American artists working outside of Korea for decades. These archival materials begin to sketch out the various ways artists have forged, invented, and articulated their own context, ways of living, and working alongside one another while deemed as minor figures in the US art world. Across these alternative lineages, traditions and pasts are not objects of ownership but “ways” of doing things, paths taken by artists that are constantly repaved, rehearsed, and rewritten. 

참여작가
존 배, 임충섭, 강익중, 김민정, 이슬기, 김지평, 이강승, 노혜리, 신 진(Jean Shin), 경미, AHL 재단 AKAA(Archive of Korean Artists in America) 아카이브

“부재는 오로지 타자의 결과로만 존재할 수 있다. 떠나는 것이 타자이고, 남겨지는 것이 나이다.” - 롤랑 바르트,  『사랑의 단상』 (1977) 중

갤러리현대 뉴욕 프로젝트 스페이스는 오는 3월 12일부터 4월 25일까지 기획전 《빈 자리》를 개최한다. 이번 전시는 다양한 세대의 한국 기반 작가 및 한국 디아스포라 작가들을 소개하며, ‘상속’을 단순히 전해지는 유산이 아니라 씨앗처럼 심고 자라나는 과정으로 바라보는 데서 출발한다. 상속된 유산이 자라나기 위해서는 의례, 돌봄, 그리고 자의식과 내어줌 사이의 균형이 필요하다. 일부 작가들은 이러한 씨앗을 부재로 경험하며, 모국의 기억과 전통을 방랑하는 존재로 인식하기도 한다. 그리움을 지닌 개인은 기다림의 시간에 대해 리듬과 형태를 부여하기 위해 자신만의 언어를 창조한다. 예컨대 강익중, 김민정, 이슬기, 임충섭은 달항아리 같은 물체나 한국 특유의 능선과 그에 깃든 설화, 감각과 물질, 인간의 총체를 통해 모국의 개념과 기억을 호출하고 독자적인 작업 세계를 구축해 왔다. 이와 같이, 《빈 자리》는 어머니라는 존재와 비가부장적 계보, 그리고 생물학적 경계를 넘어선 연대의 울림을 선보이는 자리이다. 

강익중과 임충섭은 뉴욕에서 활동해 온 초기 한인 작가 세대로, 한국 전통의 기물이나 언어가 불러일으키는 공감각을 특유의 조형 언어로 빚어낸다. 이슬기 또한 세계 각지의 전통과 언어를 탐구하고 이를 현대적 언어로 번역한다. 특유의 인류학적 방법론을 바탕으로 장인들과 직접 협업하며 독자적인 작업 세계를 선보인다. 김민정은 먹과 한지라는 전통적 재료에서 무한한 가능성을 발견한다. 종이를 무수히 자르고 태우는 반복적이고 명상적인 과정 속에서 예측 불가능한 물질적 효과를 포착해 낸다.

이강승의 〈Untitled (Pebble from Tapgol Park)〉(2018)는 드로잉이라는 노동집약적 매체를 통해 세계 퀴어 역사 속에서 잊혀온 인물과 사건들과 연대한다. 겹겹이 쌓이고 번져가는 선들은 배제와 망각의 시간을 통과하며, 그에 맞서거나 스스로를 재정립해 온 공동의 기억을 수행하듯 드러낸다. 존배의 〈방에서 방으로〉, 〈낮의 그림자〉, 〈무소식〉, 〈걱정〉 드로잉 연작은 딸이 임신 중 합병증을 앓았던 당시 회복을 바라며 속절없이 기다렸던 심정에서 비롯되었다. 가는 선들을 끝없이 반복해 쌓아 올려 구축한 추상적 형태는 작가 자신과 그의 자녀, 곧 세상을 마주할 증손자를 연결하는 사적 의식으로 작용한다. 경미(Kyung-Me)는 지난 2여년 간 수묵화로 방향을 전환하며, 이를 통제를 내려놓고 불확실성을 포용하는 계기로 삼았다. 여러 작품에 걸친 반복과 변주를 통해 탄생하지만, 각 작품 속에서 고유의 세계관을 발견할 수 있다. 진 신(Jean Shin)은 일상적 사물을 차용하는 작업으로 잘 알려져 있다. 어린 자녀의 옷에서 가져온 패턴에 그와 파트너의 옷의 패턴을 결합해, 변화하는 신체와 ‘가족’이라는 개념적 울타리 사이의 관계를 탐구한다. 노혜리(Hyeree Ro)의 〈flour hat (floor)〉(2021) 영상에서는 작가 자신과 두 인물이 서로 연결된 모자를 쓰고 머리 땋기나 실뜨기 같은 일상적 놀이를 선보인다. ‘밀가루 모자’가 길게 이어진 챙으로 세 인물을 연결하는 구심점이 되며, 가족, 연대 관계 속에 섬세함과 ‘끈적함’이 동시에 존재함을 가시화한다.
 
이번 전시는 갤러리현대에서 열렸던 《화이도》와 연계된다. 《화이도》는 전통을 살아 숨쉬는 언어로 바라보고, 현대 작가들이 이런 어법들을 연구하고 변주해 온 비직선적인 계보를 탐구했다. 역사의 주류로 기록된 전통 사조를 넘어서, 한국 고유의 다양한 시각적 감각이 일상 속에서 우리 곁에 존재해 왔음을, 이름도 명성도 없을지라도 식민주의, 전쟁, 분단, 독재, 민주화운동, 급진적 경제적 변화로 이어지는 굴곡진 역사를 겪으며 우리의 DNA 속에 살아남아 왔음을 조명했다. 이번 뉴욕 전시에서는 서울에서도 소개되었던 김지평 작가의 화선지 작품인 〈ㄹ-별〉(2022)을 소개한다. 김지평은 버려진 회화 조각이나 전통적 장식 요소를 재배치하며 주변화된 존재와 잊힌 이미지들을 환기하고, 한국 전통 회화의 형식을 열린 구조로 재해석한다. 

이번 전시는 지속적인 연구와 비평의 시작점을 제공하고자 하며, 한국과 재미교포 작가들의 외국 활동을 20여년 간 지원해 온 비영리 기관인 AHL 재단의 아카이브 자료를 함께 소개한다. 미국 미술계 내의 소수자적 위치에도 불구하고, 자신만의 삶의 방식과 더불어 동료 창작자들과의 연대의식을 고안하고 양성하며 예술로 표현해 온 작가들이 걸어온 길을 살핀다. 이와 같은 대안적 계보를 통해, 과거와 전통은 소유의 대상이 아닌 수행의 방식임을, 작가들이 끊임없이 재구성하고 연습하며 고쳐 써 가는 하나의 길임을 확인할 수 있다.