Booth C-16

Kim Bohie
Solo presentation

May 8 – 11
BEXCO

"Each day, I come across countless things—some stir emotions within me, while others pass by unnoticed. There are moments when something moves me deeply, yet when I later stand before the canvas, that feeling doesn’t return, and the experience fails to become a painting. Other times, something I barely registered at the time resurfaces with unexpected clarity and insists on becoming a work. Undoubtedly, it is the initial impression and the lingering resonance that spark the beginning of my paintings. But for me, I believe it is the emotions that quietly remain—those that resurface when I face a blank canvas—that truly compel me to paint. And when I long to reconnect with those feelings, I often find myself returning to the place where they first came to me."—Kim Bohie

Gallery Hyundai is pleased to present a solo booth of Kim Bohie at Art Busan 2025. Renowned for her experimental approach that transcends the traditional boundaries of East Asian and Western painting and the acuity of her formal language, Kim has developed a distinctive practice of landscape painting. Blending interpretation of traditional techniques with a contemporary sensibility, she delicately captures everyday moments in nature and our surroundings on canvas. Marking the first collaboration between Gallery Hyundai and the artist, this solo presentation at Booth C-16 showcases 12 new works selected from Kim’s Towards series (2020–present), which embodies a profound reverence for the vitality and energy of nature—portrayed through vibrant colors and depictions of seas and gardens, flowers and trees, and fruits and seeds. 

Kim’s early works are grounded in the tradition of Korean painting, characterized by a restrained, lyrical style of portraiture, still life, and riverside landscapes. These works depict the scenery through a contemplative gaze, maintaining a distance from nature. Over time, Kim began incorporating various colored ink techniques into her practice, blending them freely to introduce organic elements into the traditionally flat East Asian painting—thus opening new possibilities in landscape art. In works inspired by locations such as Yangsu-ri, Lake Chungju, and Jeju Island, she offers inventive compositional interpretations: dark, monolithic masses representing mountains and islands are rendered solely in ink wash, encircled by calm, empty water, suggesting an alternative dimension of pictorial flatness. Minimal imagery, generous use of negative space, and subtly receding perspectives reinterpret traditional East Asian landscape painting through a distinctly modern lens.

A key hallmark of Kim’s painting is characterized by permeation, both in material and technique. In recent works, she places no limits on medium, freely layering pigments, water, glue, and acrylic on canvas and hanji (Korean traditional paper). Through this process, she maintains the essential quality of Korean painting, where colors gradually saturate the surface layer by layer. Her works differ fundamentally from the impasto textures of Western oil painting; instead, her repeated cycles of layering and drying yield a nuanced depth, as evident in her delicate depictions of the Jeju sea—an expansion of East Asian flatness through quiet complexity.

Since settling in Jeju Island in 2003, Kim’s gaze has turned to the landscape around her, the sea, palm trees, flowers, fruits, seeds, and elements of daily life such as her dog Leo—her constant companion. She renders these subjects with vivid intensity and subtle prevision, channeling their intrinsic life force onto the canvas. Though she does not reject objective representation, nothing in her landscapes is strictly mimetic. For example, the flowers and fruits in her paintings are meticulously observed and meditated upon, then magnified, transformed, and distilled into symbolic forms that evoke the essential vitality and regenerative cycles of nature. Her practice, thus, moves beyond depiction, using nature as a lens through which to contemplate something deeper. One critic has described her work as “meditative landscapes.” Indeed, from tiny blossoms and fruit to towering palm trees and expansive seascapes, Kim Bohie’s canvases gaze quietly, yet profoundly, into the narratives of life held within nature and render reflections on the cycles of life with sincerity.

“매일매일 많은 것들을 마주치면서 다양한 느낌을 받기도 하고 무심하게 바라보며 그냥 지나가기도 합니다. 그때는 감동을 느꼈는데 막상 캔버스 앞에 서면 그 감흥이 되살아나지 않아 작품으로 이어지지 않는 경우도 자주 있고 반대로 무심코 지나쳤던 것들의 모습이 강하게 되살아나 작품으로 태어나기도 하지요. 결국 첫 느낌과 여운이 작품을 그리게 되는 시작임에는 틀림없으나 내 경우에는 빈 캔버스를 처음 마주했을 때 마음속에 남아 있는 느낌들 만이 작품을 그리게 하는 원동력이 되는 것 아닐까 생각합니다. 그래서 그 느낌을 다시 만나고 싶을 때는 그곳을 다시 찾습니다.”—김보희

갤러리현대는 ‘아트부산 2025’에서 김보희 작가의 솔로 부스를 선보인다. 동양화와 서양화의 경계를 넘나드는 실험적 태도와 깊이 있는 조형 언어로 자신만의 독창적인 풍경 회화를 구축해 온 김보희는 전통 회화에 대한 해석과 현대적 조형 감각으로 아우르며 자연과 주변 풍경 등 일상의 순간을 섬세하게 화면에 담는다. 이번 솔로 부스는 갤러리현대와 작가가 처음으로 호흡을 맞추는 자리로, 부스(C-16)에서는 생명에 대한 애정과 경외를 바탕으로 바다와 정원, 꽃과 나무, 열매와 씨앗 등 자연의 본질적인 생명력과 에너지를 생동감 넘치는 색채로 구현한 작가의 대표 연작인 〈Towards〉(2020–현재)의 신작 12점을 엄선하여 소개한다.

김보희의 초기 작업은 전통 한국화에 기반한 절제되고 서정적인 인물화, 정물화, 강변 산수화로 출발했다. 이 시기의 작품들은 눈에 보이는 경관을 사실적으로 재현하며 자연을 일정한 거리에서 관조하는 시선을 통해 묘사되었다. 이후 작가는 다양한 채색 수묵 기법을 적극적으로 혼용하면서 동양화 특유의 평면적 묘사에 유기적 요소를 결합하며 풍경 회화의 새로운 가능성을 제시했다. 특히 양수리, 충주호반, 제주도 등지의 자연 풍경을 소재로 한 작업에서는 구도에 대한 참신한 해석이 두드러진다. 검은 덩어리처럼 단순화된 산과 섬의 형태, 그 주변을 에워싸고 있는 잔잔한 수면은 채색이 배제된 순수 수묵만으로 표현되어 평면 회화에 대한 또 다른 차원의 접근을 보여준다. 화면에는 최소한의 이미지만 남기고 여백을 강조하거나, 뒤로 물러나는 구도의 참신한 해석을 통해 시각적 거리감을 재해석하며 동양적 풍경 회화를 현대적으로 그려낸다. 

또한, 김보희의 회화는 재료와 기법의 특성상 스며듦이 특징이다. 최근 작품에서 작가는 재료에 제한을 두지 않고 캔버스 천과 한지에 분채와 물, 아교 및 아크릴 등을 자유롭게 혼용하여 물감이 스며들게 차곡차곡 색을 쌓아 올리는 한국화의 특성을 그대로 살리고 있다. 김보희의 작품은 유화 물감이 표면 위에 두껍게 층을 이루는 서양화의 마티에르와는 근본적으로 다른 질감을 갖고 있다. 수차례 색을 입히고 말리는 반복적인 과정이 색의 깊이로 섬세하게 표현되는 작가의 제주도 바다 풍경은 동양화적 평면에 대한 또 다른 확장의 시도로 보인다. 

2003년 제주도에 정착한 이후, 작가의 시선은 제주의 풍경, 바다, 야자나무, 꽃, 열매, 씨앗, 그리고 작가와 늘 함께하는 반려견 레오와 같이 자신의 일상에 개입해 들어온 주변의 것들로 향한다. 작가는 이렇듯 주변의 자연 풍경을 생동감 있고 세밀하게 포착하면서 그 안에 깃든 생명의 기운을 극대화하여 화면에 담아낸다. 김보희는 객관적 재현을 거부하지는 않지만, 그의 작업 속 풍경 안에서 엄밀하게 재현적인 것은 하나도 없다. 예를 들어, 작품 속의 꽃과 열매는 철저히 관찰과 사유의 과정을 거쳐, 확대되고 변형되며, 본질적 생명성과 순환의 원리를 시각적으로 풀어내는 하나의 상징적 구조로 재탄생한다. 이는 자연을 단순히 묘사하는 데 그치지 않고, 그것을 매개로 그 너머를 들여다보고자 하는 작가의 일관된 태도를 보여준다. 이러한 작업 세계를 두고 한 평론가는 김보희의 회화를 ‘명상적 풍경’이라고 언급한 바 있다. 작은 꽃과 열매부터 거대한 야자수, 그리고 끝없이 펼쳐진 바다에 이르기까지, 김보희는 자연이라는 거대한 존재가 품은 생명의 서사를, 자신의 시선으로 조용히 그리고 깊이 있게 들여다보며 그 안에 담긴 이야기를 화폭에 고스란히 담아낸다. 

작품 문의
For inquiries on the works, please contact Gallery Hyundai at mail@galleryhyundai.com