Chung Sang-Hwa (b. 1932) is a leading figure associated with the Korean Dansaekhwa movement after first exploring works in the style of Informel. Chung is well known for his innovative painting method and technique using repetitive and systematic process of “tearing off” and “filling in” the work on canvas. This process has been a hallmark of his monochromatic grid painting practice to date. For each work, Chung first lays down a mixture of kaolin clay, water, and glue on stretched canvas and, after the material dries, he unmounts the work in order to draw linear grids on the reverse side. Next, he ritualistically folds the canvas and tears off the dried ‘paint’ in narrow bands before filling in the negative areas with acrylic paint. Once this process is completely, he begins it all over again in numerous iterations. The result is a subtle yet multilayered and complex surface powered by his meditative and ritualistic process that highlights more the material than image image. His work finds meaning in visualizing the process leading up to a result, where the process preceding the output itself defines the work and narrates all its qualities as a work of art.

Chung has exhibited in numerous international exhibitions of note including those held at the Musée d'Art Moderne et Contemporain, Saint-Étienne, Blum & Poe Gallery, Los Angeles, Villa Empain - Boghossian Foundation, Brussels, Palazzo Contarini Polignac, Venice, Italy. His works are in the permanent collection of institutions including: The Art Institute of Chicago; M+ Museum Hong Hong; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Guggenheim Abu Dhabi, UAE, Musée d'Art Moderne et Contemporain, Saint Étienne Métropole; Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul; Seoul Museum of Art; National Museum of Modern Art, Tokyo; Shizuoka Prefectural Museum of Art; and the Fukuoka Asian Art Museum.

정상화는 60년대와 70년대에 활동했던 작가들에게는 물론, 현재까지도 한국의 현대미술에 중대한 영향을 미친 작가이다. 그의 초기 작업들은 강한 실험주의와 모험적 정신을 가진 앵포르멜이라 불릴 수 있다. 이후에 그는 캔버스에 페인팅을 하는 대신에 ‘뜯어내기’와 ‘채워 넣기’ 와 같은 반복적이면서도 체계적인 방법을 사용하면서 국제적 명성을 얻게 된다. 정상화의 작업들은 1970년대 중반부터 격자의 형태 및 규칙을 점차 갖기 시작하는데, 이러한 반복적인 기법은 현재까지도 그의 작업에서 지속적으로 나타나고 있다.

정상화의 작업은 캔버스를 틀에서 벗기고 다시 매기거나 접었다 편 다음 물감을 겹쳐 발라 매우독특하다. 다른 사람이 흉내내기 어려운 이 노동집약적인 과정을 통해 작품 한 점이 완성되는데 보통 수개월이 걸린다. 작가는 매순간 엄청난 집중력으로 화면에 몰입하는데, 그럴수록 내면은 평온하게 비어간다. 그의 작업은 매우 비슷해 보이지만 실은 어느 작업도 유사하지 않다. 같은 백색이라 할 지로도 구성하는 요소가 작업마다 다르고 개별 격자들의 크기와 형태, 그리고 색채와 높낮이가 모두 다르기에 화면은 결코 같은 표정과 색감을 지닐 수가 없다. 그는 과정이라는 것 자체가 결과물을 정의하고 동시에 작품이 갖는 모든 특성들을 서술한다고 생각한다. 그래서 그의 작품세계는 완성된 결과물에 이르기까지 필요한 작업과정을 시각화하는 데에서 의미를 찾는다.

정상화는 영덕에서 태어나, 서울대학교 미술대학 회화과를 졸업하였다. 그의 첫 번째 회고전은 Musee d’Art Moderne et Contemporain Saint-Etienne Metropole에서 2011년에 성공적으로 개최되었고, 그의 작품은 국립현대미술관과 삼성미술관 리움, 서울시립미술관, 미국 스미스소니언의 허쉬온 미술관, 홍콩의 M+, 미국의 시카고 아트인스티튜트, 그리고 구겐하임 아부다비에 소장되어 있다.