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The Estate of Park Hyunki

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I decided to approach “our” perspectives by broadly categorizing them first as visible, and second as spiritual. And the stone tombs, menhirs, temples, mortuaries, danggol (shamans), uncanny experiences, and many historical ruins and villages that I organically experienced as a child, the spiritual consciousness of the village elders who once lived in them, the thoughts that our forbearers had, and especially their aesthetic consciousness: it was, above all, enjoyable to find the spirit that I had previously failed to acknowledge and its visible manifestations.”1) - Park Hyunki


Park Hyunki actively pursued his art practice from the mid-1970s through the 1990s, principally in Daegu, Korea. He is widely known as a pioneer of Korean video art, but his art practice was not limited to video; in fact, his works spanned a wide range of fields including sculpture, installation, performance, drawing, and photo media. Park approached video as a new object and incorporated experiments on materiality utilizing natural and artificial stone, railroad ties, and glass. Through his experimental practices at sites including cities, ponds, rivers, and riversides where he searched for images of ourselves, the past, and nature, he strove to approach the essence of art and nature and, ultimately, transcendental spirituality. The trajectory of Park’s art practice traces the interest in objects and materiality that defined Korean contemporary art in the late 1970s; as well, his experiments adapted Eastern philosophical concepts. Park Hyunki created a type of “video-installation” work that juxtaposes natural objects with artificial videos; in doing so, he gave form to a singular world of video art that is both spiritual and contemplative.

Park Hyunki was born in 1942 into a Korean family in Osaka, Japan, during the Japanese colonial period as the eldest of two sons and one daughter of his father, Park Joon-dong, and mother, Lee Gap-soo. Shortly before Korea’s liberation in 1945, his family returned to their hometown, Daegu, and settled there to live. On June 25, 1950, the Korean War broke out, and Park, who was then a second-grader in elementary school, witnessed a scene where refugees fleeing the city sent a signal backwards through the crowd, instructing those behind them to pick up stones, place the stones into piles, and build stone towers in order to pray for safe passage as the evacuation procession filled an uphill mountain pass. This instance later led him to become immersed in seeking out his forebearers’ aesthetic consciousness and spiritual imprints in stone tombs, menhirs, and temples, an interest that was at odds with his Western-style education, which emphasized “eradicating superstitions.” Park, who evidenced a distinctive talent in art beginning in elementary school, won awards in various art competitions in the course of his school art club activities, and in 1961 he enrolled in the Western painting department at Hongik University. He later transferred to the department of architecture, from which he graduated in 1967, and then returned to Daegu in the early 1970s to found his own interior design firm. Park was able to focus on works of a more experimental nature in his artistic activities thanks to the economic stability he gained from his business. He played a leading role in the founding of the Daegu Contemporary Art Festival, which began in 1974 with Lee Kang-So, Kim Youngjin, and Choi Byung-so. Park participated in the São Paulo Biennial in 1979 and the Paris Biennale in 1980, and his works were well received at both international events. This exposure made it possible for him to expand his international perspective by engaging in numerous solo exhibitions in Japan in the 1980s and in active exhibitions abroad, including in Malaysia and Taiwan. In line with the trajectory of the art world toward video in the 1990s, he focused in earnest on video as a medium and produced a number of video-based works. However, his interior design business, the operation of which had allowed his art practice to continue, went bankrupt in the 1997 IMF financial crisis. Around August 1999, Park was diagnosed with terminal gastric cancer, and he passed away on January 13, 2000.

The world of Park’s œuvre spans from the mid-1970s to the end of the 1990s. He first developed his artwork in connection with the Daegu Contemporary Art Festival, which ran for five editions from 1974 to 1979, alongside the festival’s other core members, Lee Kang-So, Kim Young-jin, and Choi Byung-so. In 1974, while contemplating the possibility of utilizing television’s images, he happened to see a video work by Nam June Paik and became inspired to enter the video art world. Unlike Paik, however, Park (who had not been exposed to the environment of cutting-edge technology) unfurled his video works in a decidedly post-technology direction with low-tech simplicity. His video works produced during this period function primarily as couplings of objects and devices that reflect images of these objects, and the works emphasize the relational aspects of objects and monitors. Such works include TV Stone Tower (1979), where TVs that broadcast images of stones are stacked between a pile of stones, together attaining a sense of harmony between the image and reality, and Monitor-Fishbowl (1979), where the exterior of the TV becomes a fishbowl, and the image of fish in the TV creates the illusion that fish are swimming inside. In 1981, Park conducted the performance Pass through the City where  he went through Daegu’s city center with a large artificial stone that had a mirror attached to it and documented the reaction of onlookers in moving images and photographs; the images reflected in the mirror were displayed on a monitor in the Maek-Hyang Gallery in real time. In 1982, he presented the video installation performance Media as Translators on the riverside in Gangjeong near Daegu for two days and one night, an undertaking that required considerable physical and human mobilization and succinctly presented the artist’s views on nature, video media, humans, and civilization.

From the mid-1980s to the mid-1990s, Park employed a mixture of construction materials, natural stones, glass, railroad ties, and monitors to expose unfamiliar combinations and collisions between the nature and artificial. These include a work that constructs a space out of wooden boards or bricks, which are architectural materials; one that arranges pieces of natural stone cut by artificial/human force within a space; and one that forms a large-scale stone tower using the actual stones and the images of the stones in the monitors. Additionally, he physically cut natural materials and incorporated artifacts into them in order to explore the contrast, harmony, and balance between these elements, for example, by spreading railroad ties on the floor; cutting one side of a long railroad tie and inserting a stone or monitor into the tie; and cutting a natural stone and inserting a plane of glass into the newly created void. In addition, during this period, he introduced his own photography technique that he called “photo media” and produced drawings on mulberry hanji paper that look as if they have been scribbled with oil sticks.
In the 1990s, owing to the development of video editing programs and the active assistance by his technician, Park further turned his focus to video works, presenting works like The Blue Dining Table (1995), The Mandala (1997), Waterfall (1997), Presence, Reflection (1999), among others. During this period, he produced these works by placing a container, piece of marble, or screen on the floor and projecting images into them; these include The Mandala, in which intense colors, religious images, speed, and geometry all collide in the form of pornographic videos projected onto a static image of a mandala on a cylindrical container covered in red lacquer; Waterfall, which projects the image of water pouring down on the screen; and Presence, Reflection, which presents images of waves or nature against white marble. Tragically, Park Hyunki passed away in 2000 from gastric cancer just as he was developing a more elaborate video vocabulary. Individual Code, the artist’s affection for which was reflected in his will, was exhibited posthumously at the Gwangju Biennale, which began on March 29, 2000, following the artist’s death. 

Park Hyunki was a founding member of the Daegu Contemporary Art Festival, which held five editions from 1974 to 1979, and he actively developed his art practice together with artists who were primarily active in Daegu at that time. He held his first solo exhibition at Seoul Gallery in 1978. In 2015, fifteen years after his death, Park’s major retrospective exhibition Mandala: A Retrospective of Park Hyunki (1942–2000), which presented his œuvre and rich archival collection, was organized by the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (MMCA). His major solo exhibitions include Gallery Hyundai (Seoul, 2018, 2010), Daegu Culture and Arts Center (Daegu, 2008), Kamakura Gallery (Tyoko, 1999), Gallery Bhak (Seoul, 1999), Sonje Museum of Contemporary Art (Gyeongju, 1997), Gallery Inkong (Seoul, Daegu, 1994), Shinanobashi Gallery (Osaka, 1986), The Korean Culture and Arts Foundation (Seoul, 1985), Maek-Hyang Gallery (Daegu, 1979), among many others. He further participated in numerous group exhibitions both domestic and international, including the Busan Biennale (2016), Gwangju Biennale (2000), Paris Biennale (1980), and São Paulo Biennial (1979), as well as Refocusing on the Medium: The Rise of East Asian Video Art (OCT Contemporary Art Terminal (OCAT), Shanghai, 2020), Korean Video Art from 1970s to 1990s: Time Image Apparatus (MMCA, 2019), Korean Historical Conceptual Art from the 1970-80s: pal-bang-mi-in (Gyeonggi Museum of Modern Art, Ansan, 2011), International Video Art Festival (The National Art Gallery, Kuala Lumpur, 1990), The Contemporary Korean Art (Total Art Museum, Seoul, 1988), Contemporary Korean Art: The Late ’70s—A Situation (traveling exhibitions in Japan including the Tokyo Metropolitan Art Museum, 1983), among others. 

1)  Excerpt from Park Hyunki’s 1978 artist’s note, Mandala: A Retrospective of Park Hyunki (1942–2000) (Gwacheon: MMCA, Korea, 2015), 85.

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“나에게 있어서 우리라는 입장 정리는 첫째, 가시적인 것, 둘째, 정신적인 것으로 크게 대별해 접근하기로 했다. 그리고 어린 시절 자연스럽게 체험했던 돌무덤, 선돌, 절터, 사기점, 당골(무당), 으스스했던 여러 경험들과 많은 유적들과 촌락들 그리고 그 속에 살아온 마을 어른들의 의식들, 옛사람들이 가진 우리의 사상, 그리고 특히 그들의 미의식에 관하여, 말하자면 나로부터 잊어진 우리의 정신과 그 정신을 통한 가시적 산물들을 찾는 일은 무엇보다도 즐거웠다.”1) - 박현기 

박현기는 1970년대 중반부터 1990년대까지 한국 대구를 중심으로 활동했다. 그는 한국 비디오아트의 선구적 작가로 잘 알려져 있지만, 비디오에 국한하지 않고 조각, 설치, 퍼포먼스, 드로잉, 포토미디어 등 폭넓게 작업했다. 박현기는 비디오를 하나의 새로운 오브제로 받아들여 비디오에 자연석, 인공석, 침목, 나무판, 유리 등 물성에 대한 실험을 접목시키는 한편 우리의 영상, 과거의 영상, 자연의 영상을 찾아 도시와 연못, 강물, 강변을 작업 무대로 삼은 실험적 시도를 통해 미술과 자연의 본질, 궁극적으로 초월적 정신성에 다가가고자 했다. 이러한 행보는 1970년대 후반 한국 현대미술이 추구했던 오브제와 물성에 대한 관심과 동양사상을 내세운 실험과 맥을 같이 한다. 박현기는 자연물과 인공의 비디오를 병치한 ‘영상-설치’ 작업을 탄생시켰으며, 관념적이자 정적인 독창적 비디오 아트의 세계를 구현했다.

박현기는 1942년 일제강점기 일본 오사카의 한국인 가정에서 아버지 박준동과 어머니 이갑수 사이에서 2남 1녀 중 장남으로 태어났다. 1945년 해방 직전 그의 일가족은 원래의 고향인 대구로 돌아와 정착했다. 1950년 6월 25일 한국전쟁이 발발했을 때 초등학교 2학년이었던 박현기는 고갯길을 메운 피난 행렬에서 돌을 주우라는 신호를 뒤로 전달하여 돌무더기를 향해 돌을 던지고 돌탑을 쌓아 소원을 비는 장면을 목격했다. 이는 그가 훗날 ‘미신타파’와 같은 서구식 교육 내용에 이질감을 가지면서, 돌무덤, 선돌, 절터 등에서 선조들의 미의식과 정신의 산물을 찾는 일에 몰두하게 되는 계기가 된다. 초등학교부터 미술에 남다른 재주를 보였던 그는 고등학교 때는 미술부 활동을 하면서 각종 미술대회에서 수상을 하고, 1961년 홍익대학교 서양화과에 입학했다. 이후 건축학과로 전과하여 1967년에 졸업한 후 1970년대 초 대구로 귀향하여 인테리어 사업을 시작했다. 박현기는 인테리어 사업으로 얻은 경제적 안정성으로 예술활동에서 더욱 실험적인 작업에 몰두했다. 이강소, 김영진, 최병소 등과 함께 1974년부터 시작된 《대구현대미술제》의 창립에 주도적 역할을 했다. 1979년 상파울로비엔날레, 1980년 파리비엔날레에 참여하면서 호평을 받았고, 이러한 계기를 토대로 1980년대 일본에서 다수의 개인전, 말레이시아, 대만 등 해외에서 활발한 활동을 펼치며 국제적 시각을 넓혔다. 1990년대 시대적 조류에 힘입어 비디오 작업을 본격화해 다수의 작품을 발표하지만, 1997년 IMF 금융위기로 예술활동을 지속하게 해준 인테리어 사업이 파산에 이르렀다. 1999년 8월경 위암 말기 판정을 받아 2000년 1월 13일 길지않은 생을 마감했다. 

박현기의 예술 세계는 1970년대 중반부터 1990년대 말까지 이어진다. 그는 1974년에 시작되어 1979년까지 5회에 걸친 《대구현대미술제》를 통해 이강소, 김영진, 최병소 등과 함께 작업을 전개해 나갔다. 1974년 텔레비전 영상을 통한 가능성을 고민하던 중 우연히 백남준의 비디오 작업을 보고 비디오 아트에 입문하게 되지만, 테크놀로지 환경 경험이 없었던 그는 오히려 탈테크놀로지적인 방향으로 비디오 작업을 펼쳐나갔다. 이 시기 발표한 비디오 작품들은 주로 오브제와 그것을 반영하는 하나의 장치로서 기능하며 관계성을 중시하는 작품들로, 돌들 사이에 돌을 촬영한 영상을 방영하는 TV를 함께 쌓아 영상과 실재가 일체를 이루는 작업 <TV 돌탑>(1979), TV 외관이 어항이 되고 TV 속 물고기가 그 안에서 유영하는 것처럼 보이는 착각을 일으키는 <TV 어항>(1979) 등이 있다. 1981년에는 거울을 부착한 대형 인조 돌을 싣고 대구 도심을 통과하면서 시민들의 반응을 영상과 사진으로 기록하고, 거울에 비춰진 영상은 실시간으로 맥향화랑 모니터에 방영되는 <도심지를 지나며> 퍼포먼스를 진행했고, 이어 1982년 대구 근교 강정 강변에서 1박2일로 펼친 비디오 설치 퍼포먼스 <전달자로서의 미디어>는 상당한 물적, 인적 동원을 필요로 했던 작업으로 자연과 영상매체, 인간 그리고 문명에 대한 작가의 생각을 잘 드러낸다. 

1980년대 중반부터 1990년대 중반까지 건축자재, 자연석, 유리, 침목, 모니터 등을 혼합 사용하여 자연과 인공의 생경한 조합과 충돌을 강조했다. 건축자재인 나무판이나 벽돌을 이용해 공간을 구축하는 작업, 자연석에 인공의 힘을 가해 썬 돌 조각들을 공간에 배치하는 작업, 실제의 돌과 모니터 속 영상의 돌이 함께 거대한 돌탑을 형성하는 작업을 이어갔으며, 침목을 바닥에 펼쳐 놓거나 기다란 침목의 한쪽을 잘라 돌이나 모니터를 끼우고, 자연석을 잘라 그 사이에 유리를 끼우는 등 자연의 재료를 절단해 인공과 만나게 하여 그 사이의 대조, 조화, 균형을 탐구했다. 또한 이 시기 스스로 ‘포토미디어’라고 명명한 자신만의 고유한 사진기법을 도입하기도 하고, 한지 위에 오일스틱으로 낙서하듯 그어낸 드로잉도 제작했다. 

박현기는 1990년대 비디오 편집 프로그램의 발달과 테크니션의 역할에 힘입어 한층 본격화된 비디오 작업을 진행해 <우울한 식탁>(1995), <만다라>(1997), <폭포>(1997), <현현>(1999) 등을 발표한다. 그는 용기, 대리석, 스크린 등을 바닥에 놓고 영상을 투사시키는 방식으로 작업을 제작했는데, 붉은 옻칠이 된 원통형의 용기 위에 정적인 만다라 이미지에 포르노 동영상을 비추어 강렬한 색채와 종교적 이미지, 속도와 기하학이 만난 <만다라>, 스크린 위에 쏟아져 내리는 물의 이미지를 투사한 <폭포>, 흰색 대리석 위에 물결 이미지나 자연의 이미지를 옮겨놓은 <현현> 등이 있다. 안타깝게도 박현기는 자신의 비디오 어법을 더욱 정교하게 발전시켜갈 무렵 위암 선고를 받고 2000년 작고했다. 그가 유언에 남기며 애착을 보였던 <개인 코드>는 작가의 사후인 2000년 3월 29일에 시작된 광주비엔날레에 출품되었다. 

박현기는 1974년부터 1979년까지 5회에 걸쳐 진행된 《대구현대미술제》의 창립 멤버로 대구를 중심으로 활동한 작가들과 활발한 작품 활동을 펼쳤다. 1978년 서울화랑에서 첫 개인전을 가졌다. 작고 후 15년이 지난 2015년에 그의 풍성한 아카이브와 작품 전체를 조망할 수 있는 회고전 《박현기 1942-2000 만다라》가 국립현대미술관 과천에서 열렸다. 갤러리현대(2018, 2010), 대구문화예술회관(2008), 가마쿠라갤러리(1999), 박영덕화랑(1999), 선재미술관(1997), 인공화랑(1994), 시나노바시화랑(1986), 문예진흥원 미술회관(1985), 맥향화랑(1981), 한국화랑(1979) 등에서 개인전을 개최했다. 2016년 부산비엔날레, 2000년 광주비엔날레, 1980년 파리비엔날레, 1979년 상파울로비엔날레, 그리고 《매체에 재조명 동아시아 영상 예술의 부상》(OCT Contemporary Art Terminal (OCAT), 상하이, 2020), 《한국 비디오 아트: 7090 시간 이미지 장치》 (국립현대미술관, 과천, 2019), 《1970-80년대 한국의 역사적 개념미술 팔방미인》(경기도미술관, 안산, 2011), 《국제 비디오아트 페스티벌》(국립아트갤러리, 쿠알라룸푸르, 1990), 《한국현대미술의 오늘》(토탈미술관, 서울, 1988), 《한국현대미술전-70년대 후반 하나의 양상》(도쿄도미술관 외 순회전 , 일본, 1983) 등 다수의 국내외 기획전에 참여했다.  


1) 1978년 박현기 작가노트 중에서, 『박현기 1942-2000 만다라』, 국립현대미술관, 2015, p85.

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